Isabelle, alias Diane Kruger, a une vie parfaite: elle est belle, amoureuse et dentiste... Malheureusement, les femmes de sa famille sont victimes d'une terrible malédiction: le premier mariage n'est jamais le bon. Comment faire? Après 10 ans d'un amour parfait, qui rime ici avec habitudes, métronome et exactitude, Isabelle se décide à déjouer le destin et concocte avec sa sœur un plan... parfait! Le premier mariage est toujours un échec? Qu'à cela ne tienne, elle va se marier et divorcer avec le premier venu en un rien de temps.

Tout, bien entendu, sera plus difficile que prévu. Dany Boon est excellent en pauvre type attendrissant et Diane Kruger surprenante dans sa première comédie. De Nairobi à Moscou, on suit avec grand plaisir ces deux êtres que tout oppose et qui finiront par s'ouvrir l'un à l'autre. Le scénario est certes classique mais pas les rebondissements.

C'est une comédie où les sentiments valsent entre mensonges et vérités, où le rapprochement quasi impossible entre les deux héros est un ressort bien ficelé. Les deux personnages s'emmêlent les sentiments joyeusement et nous aussi. On se sait plus lequel des deux est le plus pathétique et cela n'a plus d'importance. Ils se rencontrent vraiment lorsque nous aussi nous les aimons bien tous les deux.

Bref, c'est un film sympathique, plutôt bien construit et porté par deux excellents acteurs.

Un plan parfait, de Pascal Chaumeil, avec Diane Kruger et Dany Boon, 2012.

Nana est une petite fille de quatre ans qui vit à la campagne, entre sa mère et son grand-père.

La scène d'ouverture est la mise à mort et la saignée d'un cochon, avec trois enfants en arrière-plan, regardant la scène sans émoi. Néanmoins, le ton est donné: sous l'apparente simplicité, avec ses longues séquences, ses plans fixes et ses personnages peu bavards, le film témoigne de la présence sous-jacente de la cruauté dans la vie de la fillette.

Chez sa mère, dans une vieille maison à l'orée d'un bois, la petite Cendrillon se satisfait fort bien de son existence. Elle joue, examine, explore, comme n'importe quelle petite fille. Mais elle ne demande jamais d'aide et en reçoit fort peu. D'où cette scène assez incroyable où pendant cinq minutes Nana tente de couper sa viande, debout, sans rechigner à la tâche, avec patience, tandis que sa mère, à côté d'elle, mange la sienne et regarde sa fille de temps à autre, sans rien dire, déjà inexistante.

Aussi, lorsqu'un soir, Nana rentre de l'école et ne trouve personne chez elle, c'est sans panique qu'elle fait face à la situation. Sa vie n'est quasiment pas bouleversée par cet événement. Avec constance et application, Nana prend soin d'elle et de la maison, enfouissant son sentiment d'abandon dans les habitudes de vie. La cruauté n'est pas visible à l'écran mais elle naît dans nos cœurs, petit à petit. Car, en filmant avec une apparente simplicité, la réalisatrice réussit son pari de nous mettre à hauteur d'enfants, et, comme Nana, nous ne comprenons pas ce qui lui arrive et on n'en saura pas plus qu'elle à la fin du film. Le décalage que la fillette vit entre son insouciance et sa responsabilité peut être perçu, par exemple, au moment où, après avoir ramené un lièvre mort, coincé dans un piège, elle hésite entre les caresses et le dépeçage, du moins notre propre regard hésite: est-ce une peluche ou du gibier?

Le film s'ouvre et se referme sur la mort: cruellement d'abord, avec celle du cochon, puis poétiquement, avec la représentation de la mort supposée de la mère, devenant une sorte de belle au bois dormant, allongée dans un lit en pleine forêt, mais endormie à jamais. Nana s'approche d'elle, des couvertures et des jouets (les souvenirs associés à sa mère?) qu'elle a apportés jusque là, et lui jette le vieux livre de contes qu'elles lisaient ensemble quelques fois. Cela lui permet de clore la relation mais aussi d'exprimer ce qu'elle ressent : un peu à la manière de ce qui ne sert plus, de ce qui est trop usé, on jette tout cela à la décharge et on ne revient pas en arrière.

C'est le grand-père qui vient récupérer Nana, sans explication, sans effusion de sentiments. Une nouvelle page de sa vie se tourne mais elle reste fidèle à elle-même, comme ne comptant déjà que sur elle-même, seul roc stable dans sa courte vie. On remarque son caractère dès l'affiche du film: elle regarde vers nous, adultes, avec interrogation, mais sans peur ni reproche, prête, quoi qu'il arrive, à assumer sa vie. Ainsi, le dernier plan montre Nana et son papy marchant côte à côte ; elle lui demande s'il va bien : or, on aimerait plutôt que ce soit le grand-père qui lui pose la question et que l'on prenne enfin soin d'elle!

Nana, de Valérie Massadian, avec Kelyna Lecomte, Alain Sabras, Marie Delmas, 2012.

Spoiler.

Je livre ici une petite analyse de ce grand film avec quelques mises en garde: je n'ai pas vu tous les films de David Lynch et je ne suis pas spécialiste des thèmes qui inspirent ce cinéaste. Je formule donc des propositions d'analyse!

Il s'agit d'une analyse et non d'une présentation du film: cela s'adresse avant tout à ceux qui ont vu le film.

Ceci est la deuxième partie de l'analyse de ce film. Pour lire la première partie, cliquez sur le lien ci-dessous:

Première partie : différents niveaux de réalité

Deuxième partie : approche psychanalytique et transcendance spirituelle

La culpabilité semble s'incarner en une jeune femme brune qui, armée d'un tournevis, voudra tuer Nikki. Elle ne serait qu'un nouveau dédoublement de Nikki, sa part sombre, son démon intérieur. Par ailleurs, le tournevis est aussi possédé par Nikki, pris pour se défendre, mais qui sera finalement retourné contre elle. La jeune femme brune ressemble à celle, plus jeune, enfermée dans une chambre qui regarde Nikki à la télévision (elles ont le même type de cheveux, bruns et bouclés). On pourrait dire que la jeune fille représente la partie meurtrie de Nikki, celle qui est bloquée psychologiquement sur le drame vécu. L'héroïne la libère à la fin après s'être réconciliée avec elle (car elle l'embrasse et se fond en elle). La jeune fille, en sortant de la pièce, court à travers différents couloirs, avant de se retrouver dans une maison, celle que l'on connait déjà, décorée en orange et vert. Cette dernière revient souvent dans le film; d'un point de vue symbolique, elle représente souvent le moi de la personne qui rêve. Revenant dans son propre moi, son propre elle-même, la jeune fille retrouve un foyer aimant, peut-être celui qu'elle a quitté, psychologiquement, à cause du drame; elle retrouve peut-être aussi ses rêves d'enfant (se marier ? Avoir une famille?). Le tout sous le regard d'un enfant, comme si elle retrouvait un état enfantin...

Nikki est donc tué par un tournevis planté dans le ventre. Du moins, Sue est-elle tuée puisque cela faisait partie du film tourné. Le symbole du ventre est important : c'est ce qui enfante chez la femme. Or, Nikki se disait enceinte puis parle de la mort de son petit garçon. On pourrait dire que meurtrir le ventre, c'est tuer la partie coupable chez elle. Au moment de mourir, une sans-abri raconte l'étrange histoire d'une amie qui s'est fait un trou dans le vagin, trou qui lui arrive dans les intestins... Voilà le lien entre le viol, la culpabilité puis la mort. Quant au petit garçon, celui qui meurt ou celui qui rentre à la maison au moment où la jeune fille retrouve son foyer, on ne peut s'empêcher de penser au premier conte de la voisine-sorcière : celui où un petit garçon sort de chez lui pour jouer dehors et se retrouve nez à nez avec le Mal. S'il rentre, c'est bon signe, non ?

Cela fait une drôle d'impression à Nikki lorsque son personnage est tué. Elle erre ensuite sur les plateaux et débarque dans une grande salle de cinéma vide, où elle se voit sur l'écran, où l'on revoit des images du film tourné, notamment le passage où l'héroïne rencontre un homme à lunettes qui l'écoute sans parler (un commissaire? un psy ?) et à qui elle raconte enfin le drame qu'elle a vécu. Cette projection peut être un moyen pour s'observer soi-même, prendre de la distance, s'analyser et évoluer; pour «dé-coller » de la réalité et changer de rôle et de comportement. Le terme de projection est intéressant pour lier cinéma et inconscient: l'inconscient projette des peurs, par exemple, dans la réalité, projette des sentiments qui s'incarnent, et que l'on prend alors pour la vérité.

Ce même monsieur à lunettes apparaît dans le cinéma et l'invite à la suivre à l'étage (guide spirituel?). Ce qu'elle fait. Elle ne le retrouve plus mais se perd dans des couloirs et des pièces, qui, eux-aussi, représentent l'inconscient dans les rêves. Au détour d'un couloir, la voilà nez à nez avec son pire cauchemar ! Armé d'un pistolet trouvé dans une des pièces, elle va lui tirer dessus à plusieurs reprises : c'est son violeur, celui qui lui a fait du mal. Elle affronte ainsi sa plus grande souffrance (regardez la tête horrible de l'homme avant de disparaître). Les balles ne le touchent pas puisque tout n'est que symbole. Mais elle tue sa plus grande peur. Juste après cela, elle s'en va libérer la jeune fille prisonnière du passé. Puis, elle retrouve la riche maison du début, celle où elle accueillait sa voisine-sorcière : cette fois-ci, on retrouve Nikki, le sourire serein, le regard clair, comme une personne enfin libre, sans peurs et confiante. Sa robe est céleste, mêlée de bleu et de blanc. Or, pour que ce nouveau moi naisse, il fallait que l'ancien meurt. D'où la mort symbolique de Nikki, à travers le personnage de Sue, un peu avant dans le film.

Une dernière aventure l'a attendue dans ces différentes pièces : elle a pénétré sur la scène de théâtre où les petits lapins humanisés jouaient des rôles très caricaturaux (lire la première partie). Jusqu'ici, lorsque la pièce de théâtre était filmée, Nikki, par deux fois, s'exprimait en voix off pour dire qu'un jour elle comprendrait tout cela, démêlerait l'incompréhensible. Une fois sur scène, on peut deviner qu'elle a réussi : elle est applaudie et même acclamée. Le spot qui l'éclaire forme une étoile en son centre... Ainsi, son désir de devenir une star était en fait le désir d'évoluer spirituellement, d'être une étoile parmi les étoiles.

Cette salle est peut-être la partie la plus archaïque de l'inconscient, la partie bestiale, celle qui préfère jouer des rôles plutôt que de les remettre en question; partie également la plus profonde et la plus difficile d'accès, qu'il faut pourtant rejoindre pour pouvoir évoluer.

Enfin, la maison décorée en orange et vert, où Nikki se réfugie, qui accueille des incarnations de ses pensées et de ses croyances, cette maison qui la représente est très intéressante. Ces deux couleurs, vert et orange, constamment portée par l'héroïne, sont les couleurs de deux chakras (puisque l'on parle d'évolution spirituelle) :

-l'orange est en lien avec la sexualité,

-le vert est en lien avec le cœur et donc les peines de cœur.

Cette proposition de lecture n'est certes pas complète; il manque le thème de l'adultère ou encore de la vie de star. Si David Lynch maîtrise les métaphores, il est dommage que ses films ne soient pas plus accessibles. La complexité n'est pas gage de chef-d' œuvre.

Inland Empire, de David Lynch, avec Laura Dern, Justin Theroux et Jeremy Irons, 2007.

Simon's cat, le retour!

Alexander Jansson est un artiste graphique à découvrir:

Elles me rappellent certains décors du jeu vidéo Alice Madness Returns et, bien sûr!  Tim Burton.

En ce moment, ce dernier s'expose à la cinémathèque de Paris, après être passé au MoMA de New York: dessins et œuvres de sa jeunesse jusqu'à aujourd'hui, avec des éléments de ses prochains films (Dark Shadows, prévu pour mai 2012 et  Frankenwinnie, pour Halloween prochain).

Profitez également de ces quelques dessins sur Paris croqué par Tim Burton.

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